La Maricutana / Audio

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Merengue Apaleao'

Macumba: casa museo en Colombia

Un hombre convirtió su casa en un museo tras recolectar durante más de 50 años piezas artesanales

Jaime Barranco tiene cerca de un millón de objetos exhibidos en su hogar, al que denomina Macumba

Como si fuera un trapecista, Jaime Barranco se cuelga de paredes y ventanas para extender los paños y las máscaras con las que decora la entrada de Macumba, como llama a su hogar. 

Allí, en esa casa, que para muchos transeúntes es la guarida de un chamán, se esconde lo desconocido, como ha querido llamar a los miles de objetos recogidos durante 50 años en ciudades, pueblos, caseríos, laderas, montañas y selvas. Travesías que hoy, a sus 75 años, ya no hace.

Desde hace cuatro años, Jaime prefiere sentarse en una butaca amazónica, en frente de su casa, a compartir con la comunidad su propuesta. Algunos van y vienen, otros se detienen, se sientan en el piso o en sillas y observan la entrada del lugar, en la carrera 19 con calle 42. Arriba de la puerta un sol gigante llama la atención de Jenny, una joven de 25 años, que decide curiosear. En el pasillo se topa con un muestrario de tejidos en chaquira y semillas, que para Barranco es el comienzo del umbral sensual.

"En el primer piso tenemos máscaras de todas partes del mundo, con todas las formas de expresión", dice el 'negro', como lo llamaba su madre, mientras la joven se sorprende de ver las 280 piezas arqueológicas arrumadas en un pequeño cuarto y que según Barranco, oriundo de Ciénaga (Magdalena), están 
legalmente registradas. 

Jaime guía a la joven hasta el segundo piso. En la cocina, rodeada de toda clase de herramientas manuales para preparar alimentos, está María Luisa Castro, su esposa. Tiene 58 años y es pensionada. La conoció hace cuatro décadas y desde entonces es la persona que siempre lo ha apoyado. Según Luisa lo que la enamoró fue "su gozadera, el arte, su trabajo y su forma de ver la vida".

Junto a la cocina está la sala, el lugar donde reciben la visita de los amigos. Es un ambiente asiático. Hay un sofá y dos sillas antiguas rodeadas de decenas de porcelanas y de una colección de licoreras, incluyendo una botella que según Barranco "fue con la que se libó el licor para coronar a la reina Isabel Segunda de Inglaterra".

"Contamos con nuestra alcoba, la vivienda de pareja, rodeada de esculturas, de abanicos, de esa bisutería que utiliza la mujer para seducir al mundo y en especial a su marido", confiesa Barranco, quien llegó a Bogotá hace 40 años y que ahora da talleres gratuitos de tejido, danza y canto.

Del tercer piso se escapan los olores más nauseabundos y los más exquisitos. Se trata de una colección de perfumeros que, según el 'negro' "es donde se plasma toda la historia y proceso orgánico de su elaboración química".

Pese a que la casa Macumba tiene tres pisos, el espacio es reducido para la cantidad de objetos recolectados. Se necesitaría de un par de cuadras construidas arquitectónicamente y con el diseño específico para exhibir los objetos que ocupan el último rincón de paredes, puertas, pisos y techos.

La vida del artista 'loco'
"Loco pero gozón", así describe Jaime Barranco su forma de ser. Nació en Ciénaga (Magdalena). Hijo de Eloina Sales, a la que recuerda todos los días porque según él fue la creadora de los carnavales en el país y de la que heredó el gusto por el arte. Lo llamaban el 'negro' y era el más loco de sus siete hermanos. 

Decidió convertirse en andariego, recorrer el continente y aprender de las culturas que viven en él. Llegó a Bogotá en la década de los 70, fecha en la que conoció a 'murrundunga' como llama a su esposa y con la que tuvo 2 hijos. Además se ufana de ser el creador de Estampas del Cañahuate, el primer grupo de danza folclórica que se presentó en el Teatro Colón.
ANDRÉS MOLANO TÉLLEZ
ESPECIAL PARA EL TIEMPO

Un viaje entre el rojo y el negro

La vanguardia del arte moderno irrumpe en el Ermitage de Ámsterdam - 'De Matisse a Malevich' reúne 75 obras que pertenecieron a dos coleccionistas rusos


Juego de bolos
Henri Matisse, Game of Bowls, 1908 © Succession H. Matisse c/o Pictoright Amsterdam 2010. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010
La labor del museo Ermitage de Ámsterdam, la mayor dependencia externa de la famosa pinacoteca rusa de San Petersburgo, puede enfocarse de dos maneras. Bien como una especie de franquicia que va prestando, de manera mecánica, pedazos de la colección de los zares, o como una sala abocada a complacer los gustos del público.


Puerto de Hamburgo
© Albert Marquet, Port of Hamburg, 1908, 1908, c/o Pictoright Amsterdam 2009. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010

Cualquiera de los dos supuestos, válido para un análisis científico, pierde fuelle ante la muestra De Matisse a Malevich, recién inaugurada en la capital holandesa. La belleza y categoría de los cerca de 75 cuadros y esculturas de estos pioneros del arte moderno, y también de Picasso, Derain, Utrillo o Kandinsky, es incontestable.


Invierno
© Vasily Kandinsky, Winter, 1909, c/o Pictoright Amsterdam 2010. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010
Para los más curiosos, su contemplación descubre a su vez la pasión de Sergey Shchukin e Ivan Morozov, dos coleccionistas que quisieron decorar sus casas y acabaron por introducir el arte de vanguardia en su país.


Señora con sombrero negro
© Kees van Dongen, Lady in a Black Hat, 1908, c/o Pictoright Amsterdam 2010. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010
Mujer con abanico

La exposición se abre con el golpe de color de La habitación roja (1908), del pintor francés Henry Matisse, y concluye con la sencillez del Cuadrado negro (1930) del ruso Kasimir Malevich. El galo despliega toda la gama de objetos cotidianos que pueblan su obra, como sillas, fuentes de frutas y manteles de flores, sobre un lienzo enorme, de 180 x 220 metros.


© Pablo Picasso, Mujer con abanico, 1907-1908, c/o Pictoright Amsterdam 2010. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010

En su afán de despertar las emociones del espectador, es posible que le diera un buen susto al cliente que se la encargó. Lo que debía ser una tela de fondo azul acabó rojo brillante, "porque era más decorativo y lógico", según el artista. Para él, el arte era una "expresión existencial".


Niño con perro
© Pablo Picasso, Boy with a Dog, 1905, c/o Pictoright Amsterdam 2010. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010

El efecto tridimensional de la reproducción detallada de la realidad tenía un arma inmejorable: la fotografía. Así que nada mejor que una provocación cromática. "La aventura del arte moderno de la que tira Matisse era pura, armónica y capaz de actuar como un bálsamo para el espectador. Pero sin lo que calificaba de ilusionismo paisajístico de los impresionistas", según el historiador del arte Henk van Os, autor del ensayo que acompaña el catálogo. El pintor no se comportaba como un provocador. "Era un tipo tranquilo y amante del sosiego. Pero aunque sabía que los innovadores no siempre encajan en la realidad, tampoco mantuvo una relación complicada con su entorno", asegura el experto.


Futuristas
The Last Futurist Exhibition of Paintings '0.10'. 1915. Petrograd. Photograph. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010

La experiencia de Malevich fue distinta. Sólo concebía al artista como tal cuando creaba obras que nada tenían que ver con la realidad. El resultado de su esfuerzo desembocó en la geometría, que los incluía todo, la vida, la naturaleza y al ser humano. Su cuadrado negro golpea de forma distinta al rojo de Matisse. Es un lienzo más pequeño, de 53 x 53 centímetros, y está colgado en la pequeña sala que despide la muestra. Pero es vital y dinámico, aunque ambos términos tal vez sirvan mejor a la publicidad que al arte. "Matisse es el cubismo llevado al extremo", dice Van Os, y corta la respiración lo mismo que la majestuosa cotidianidad de Matisse.


Cuadrado negro
Kazimir Malevich, Black Square, ca. 1930- 'Staatsmuseum Hermitage St.-Petersburg'. State Hermitage Museum St Petersburg | 05-03-2010

Entre uno y otro, el Ermitage ha colgado en el remozado interior de lo que fuera un asilo de ancianas del siglo XVII, cuadros cubistas y dibujos de Picasso, que no dejan lugar a dudas. El estilo del malagueño eran todos los estilos, desarrollados con una maestría abrumadora. Dryad (1908), es un desnudo femenino durmiente, agresivo y desvalido a la vez, porque la figura va a caerse e invita casi al espectador a sujetarla. Niño con el perro (1905), por el contrario, es un dibujo del periodo rosa del pintor, dulce y que provoca una sonrisa. Hay también telas opuestas de Kandinsky. Llenas de trazos como la Composición V (1913), la pieza más importante de su etapa anterior a la guerra mundial, o el Paisaje de invierno (1909). Con un brillo que atrae desde lejos, el camino y las casas de esta segunda pintura, bien definidas, no suelen asociarse con el pintor ruso. Y hay, sobre todo, un retrato del holandés Kees van Dongen, Dama con sombrero negro (1908). Es de una mujer fatal llena de lo que hoy llamaríamos glamour.

Tan atrayente como la belleza de las obras es la peripecia vital de Shchukin y Morozov, los dos millonarios rusos que intuyeron la trascendencia de las obras que encargaban en Francia. "Algunas estaban aún frescas cuando las enviaban", dicen en los vídeos explicativos dedicados a ambos personajes en la muestra. Shchukin era un empresario textil. La revolución le expropió la colección y le arrumbó a la zona de cocinas de su propia mansión. El resto de la casa fue repartido entre varias familias. Las posesiones de Morozov corrieron igual suerte, aunque en ambos casos acabarían en el Ermitage de San Petersburgo. Una foto de la residencia de Shchukin, decimonónica en sus muebles y lámparas de araña, pero llena de cuadros hoy famosos, devuelve un instante de lo que debió ser visitarla. Allí iban los estudiantes de arte y los amigos. Un imán que, más que atraer, irradió la vanguardia artística en Rusia.

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ISABEL FERRER - Ámsterdam
elpais.com

El auténtico Caravaggio

      Musici (Los músicos)

Caravaggio murió sólo, enfermo, consumido por la malaria, huyendo de sus enemigos... Sin embargo, ahora que se cumplen 400 años de su muerte, hay codazos y empujones para ver sus cuadros. La prueba está en que ya se han vendido, vía Internet, 50.000 entradas de la exposición que hoy abre sus puertas en las antiguas caballerizas del Palacio del Quirinale de Roma en honor de uno de los artistas más pendencieros, tumultuosos, malditos y geniales que haya habido en la historia.

     Suonatore di liuto (Apolo tocando el laud)

La exposición, la más importante de los muchos actos y eventos con los que durante todo 2010 se conmemora el cuarto centenario de su muerte, es exquisita por su simplicidad: se compone tan sólo de 24 cuadros, todos ellos atribuidos sin ninguna discusión a Micheangelo Meresi, más conocido como Caravaggio por ser esa la localidad del norte de Italia en la que nació.

Proceden de los mejores museos del mundo. Hay cuadros que vienen del Museo Estatal de Berlín, de la Galería de los Uffizi de Florencia, del Museo de Arte de Kansas, de la Galería Nacional de Londres, del Metropolitan de Nueva York, del Hermitage de San Petersburgo, del Museo de Bellas Artes de Nancy... Hasta la Pinacoteca de Ambrosiana de Milán se ha avenido a prestar, por primera vez desde que en 1607 cayera en sus manos, la famosa 'Cesta de frutas' de Caravaggio. Un cuadro que pertenecía al cardenal Federico Borromeo y que éste amaba tanto que sentenció que excomulgaría a quien osara retirarlo de la pared en la que lo tenía colgado...

          Bacco (Baco)

En total son cerca de medio centenar las obras que sin ningún género de dudas los especialistas consideran realizadas por la mano de Caravaggio. Lo que significa que la muestra de las Scuderie del Quirinale reúne el 50% de la producción del artista. Y si a eso se añaden que los 'caravaggios' que se encuentran en varias Iglesias de Roma (las de San Luis de los Franceses, Santa María del Popolo y San Agustín) resulta que en estos momentos en la capital italiana se concentra el 90% de todos los cuadros de Meresi que hay en el mundo."Hemos conseguido reunir un número excepcional de originales de Caravaggio", asegura sacando pecho Rosella Vodret, comisaria de la muestra.

     Giudita e Oloferne (Judith y Holofernes

El secreto de un genio

      Cenna in Emmaus (Cena en Emáus)

La gran pregunta es: ¿cuál es el secreto de Caravaggio? ¿Por qué este artista despierta tantas y tan encendidas pasiones? Sobre todo teniendo en cuenta que, aunque murió disfrutando del éxito, después de su fallecimiento cayó rápidamente en el olvido. Hasta el punto de que en los siglos XVIII y XIX se le ignoró completa y clamorosamente. Sólo a principios del siglo XX comenzó a ser redescubierto. Hoy es tan famoso como una estrella del rock.

                      Amor vincit omnia (El amor victorioso)

Para Claudio Strinati, el padre de esta exposición, no hay duda: "El interés creciente en la figura de Caravaggio se explica en que es el artista por antonomasia, el de la vida descontrolada, el de la vida que todos querrían vivir pero que ninguno tiene el valor de llevar. Libre, creativo, no sometido a las leyes, siempre en conflicto y siempre desesperado", subraya. "Caravaggio atrae porque se percibe que su vida y su obra están estrechamente conectadas". A diferencia por ejemplo de sus contemporáneos, que idealizaban la realidad, Caravaggio la pintaba en toda su crudeza. Para sus obras utilizaba modelos de carne y hueso, gente real que encontraba por los callejones de Roma.

      Canestro di frutta (Cesto con frutas)

En el óleo 'Muerte de la Virgen', por ejemplo, utilizó como modelo el cadáver de una mujer que se había suicidado arrojándose al río Tiber, y que tenía los pies sucios y el vientre hincado. Los monjes de Santa María della Scala, que le habían encargado la obra, se escandalizaron tanto cuando la vieron que la rechazaron airados.

        I bari (Jugadores de cartas)

Realismo irreverente

                  San Giovanni Bautista (San Juan Baustista)

El descarando e irreverente realismo de Caravaggio también se puede contemplar ahora en la exposición de las Scuderie del Quirinale, concretamente en 'La conversión de San Pablo'. El cuadro en cuestión le fue encargado en septiembre de 1600 al pintor por el potentado Tiberio Cesarini para decorar su capilla en la basílica romana de Santa María del Popolo. Pero, cuando meses más tarde el pintor le presentó la obra, se quedó horrorizado: el cuadro tenían un aire excesivamente terrenal que resultaba ofensivo. Indignado, Cesarini ordenó a Caravaggio repetir el trabajo.

       Amorino dormiente (Amorcillo durmiente)

La segunda versión de la obra, la políticamente correcta, se encuentra en la Iglesia de Santa María del Popolo. La primera, la insolente, fue adquirida en secreto por un cardenal y hoy es propiedad de la familia Odescalchi, una noble dinastía romana que ha dado varios Papas a la Iglesia. Y ahora se puede contemplar en la exposición en las antiguas caballerizas del Quirinale. Y, por si fuera poco, la comisaria Rosella Vodret sale al paso con una nueva hipótesis: la posibilidad de que en la mayor parte de sus cuadros Caravaggio se hubiera pintado a sí mismo. Una idea que se le pasó por la cabeza mientras estudiaba, por enésima vez, el 'Narciso' de Caravaggio, que representa al efebo de la mitología griega contempla extasiado su propio reflejo en el agua.

                           Deposizione (Entierro de Cristo)

                 Conversione di Saulo (Conversión de San Pablo)

                                  Incoronazione di espine (Cristo coronado de espinas)

"Comencé a preguntarme desde qué perspectiva había pintado Caravaggio el cuadro, dado que en realidad la imagen de una persona que se mira en el agua desde la posición en la que lo hace Narciso es complemente distinta a la que él pintó". Vodret se puso a trajinar en su casa con unos espejos intentando dar con la solución. Y, según sostiene, la habría encontrado: Caravaggio se habría pintado a sí mismo.
Irene Hernández Velasco | Roma

elmundo.es